Un gran músico:

1. busca la ayuda y consejo de los mejores maestros y mentores.
2. se mide constantemente contra los mejores.
3. posee un conocimiento profundo de la música y de sus compositores, no solamente de las piezas que interpreta.
4. conoce y distingue los diversos estilos musicales.
5. como un buen actor, exagera toda su expresión al tocar en un escenario.
6. puede tocar más fuerte y más suave que los demás.
7. posee una amplia paleta de colores.
8. puede tocar más rápido y más lento.
9. posee un sólido sentido de ritmo.
10. puede tocar con más arco, o con menos.
11. posee más variedad de articulaciones.
12. posee más variedad de vibratos.
13. tiene más proyección.
14. finalmente, puede conectarse con el público y transmitirle sus ideas musicales de manera consistente, concierto tras concierto.

Como ven, en la mayoría de los casos se trata de hacer o tener más de lo que los músicos meramente “buenos” hacen.

El destacado cellista Benjamin Whitcomb, profesor en la Universidad de Wisconsin-Whitewater, ofreció una interesante clase magistral el pasado 26 de abril en el Conservatorio.

Algunas de las ideas que mencionó:

• El uso de la expresión facial y corporal  al tocar es importante no sólo porque ayuda al público a percibir nuestra idea de la música, sino también porque nos ayuda a relajarnos (“es imposible ponernos nerviosos cuando controlamos nuestra expresión facial”).
• Cómo controlar la ansiedad al tocar: no te preocupes por fallar notas; preocúpate por no “perder” al público.
• Para mejorar la afinación: practicar con un “drone” (nota pedal). Puede ser de un afinador o un teclado.
• Para dominar un pasaje transpórtalo a varios tonos.
• Hay que articular las notas breves.
• Imagina que eres un virtuoso: flamboyant, extravagant.
• Practica en cámara lenta pero con la misma intención que a tempo. No uses movimientos “económicos”.  Piensa en una toma en cámara lenta de un deportista: se ve todo el esfuerzo.
• Utiliza los recursos de la retórica para dar sentido al fraseo. No es lo mismo awe-some que AWE-some.
• Mantener los hombros hacia atrás cuando vayas al registro agudo (como Yo-yo Ma).

El miedo escénico puede ser tan leve como un “mariposeo” en el estómago, o tan extremo como un ataque de ansiedad.  Cualquiera sea el sea el caso, el miedo escénico evita que demos lo mejor de nosotros. Aquí te presentamos algunas sugerencias para lidiar con este problema.

1. Estar preparado. Mientras menos preparado te encuentres, más nervioso estarás. Aprende la pieza a fondo, incluyendo el acompañamiento. Analiza la forma. Escucha varias grabaciones. Lee sobre el compositor y su estilo. Mientras más te puedas concentrar en la pieza menos pensamientos negativos tendrás mientras la tocas.
2. Respira lenta y profundamente de cinco a diez minutos antes de salir a tocar.
3. Come un guineo 30 minutos antes del concierto. Es alto en potasio el que se considera un relajante natural.
4. Realiza ejercicios de estiramiento.
5. Haz algo distinto. En vez de preocuparte por el concierto puedes realizar alguna actividad relajante como leer, meditar, escuchar música, caminar, o jugar un video juego portátil o en el teléfono celular.

Cada cual debe buscar que las técnicas de relajamiento que le sean más efectivas. ¿Que te funciona? Comparte tus experiencias con nosotros escribiéndonos un comentario…

Algunas sugerencias basadas en estudios científicos:

• La práctica distribuida sobre un periodo extenso de tiempo es más eficiente que la práctica concentrada en poco tiempo (por ejemplo, practicar mucho el día antes de la clase).
• Sesiones cortas de práctica son generalmente más efectivas que las largas. Sin embargo, destrezas más complejas y largas requieren sesiones de práctica más extensas. Por supuesto, esto puede variar con la edad y el nivel de destreza del músico.
• Un alto nivel de motivación permite obtener más beneficios de una práctica larga y concentrada. Igualmente, los individuos que son más competentes en una actividad  pueden practicar con más efectividad esa actividad por periodos de tiempo más largos que los individuos que son menos competentes.

Masumi Rostad explica la técnica del arco

El pasado lunes tuvimos la visita de Masumi Rostad, violista del Pacifica String Quartet y profesor de la Universidad de Illinois, quien nos ofreció una clase magistral de viola y música de cámara. Los participantes tocaron obras de Brahms, Bowen y Beethoven.

Algunos conceptos generales que mencionó durante la clase:

• Para los nervios: controlar la respiración 30 segundos antes de salir a tocar.
• Preparar cada nota antes de tocar (“el momento de aprender es durante la preparación”).
• Usar el peso del brazo en vez de presionar el arco.
• Pensar en que el peso del arco se distribuye a todo lo largo del mismo.
• Los dedos medio y anular de la mano derecha son los “dedos técnicos” que aportan el control y variedad al arco.
• Practicar “overtones” (armónicos) y “undertones” (subarmónicos) para mejorar la calidad del sonido.
• En cada nota hay que pensar en el principio, el medio y el final de la misma.
• Conseguir el balance desde los pies (“ground yourself”).
• Las entradas (cues) las inicia el líder pero los demás deben completarlas para poder lograr unidad en el ataque.
• Todos los ataques son más seguros desde la cuerda (aún en piano).
• No “contar”: escuchar y confiar en el ritmo de los demás integrantes del grupo.

Agradecemos al maestro Rostad su visita al Conservatorio y esperamos tenerlo de nuevo pronto.

Masumi refina la interpretación del Beethoven

• reflexionas sobre tus propios procesos mentales (metacognición).
• empleas la práctica mental en combinación con la práctica física.
• practicas organizadamente y con objetivos precisos.
• estudias y analizas las partituras.
• realizas prácticas cortas y frecuentes.
• estás intrínsecamente motivado (practicas por tu propio gusto).
• escuchas grabaciones o ves demostraciones de tu profesor.

Durante este mes estaremos desarrollando estas ideas para que puedas incorporarlas a tu práctica.